El jazz siempre ha tenido un impacto innegable en la cultura, pero una relación tumultuosa con la música popular. En un momento a mediados del siglo XX, el género estuvo a la vanguardia. Tenía estrellas del pop. Miles Davis, con su innovación musical constante, a veces desconcertante, y su inclinación por actuar de espaldas a la multitud, fue Kanye West en los géneros. Wynton Marsalis, con su engreído compromiso con la música pura, era un análogo de Dave Grohl. Las incursiones religiosas de John Coltrane sacan a relucir a Madonna.
Luego, durante los años 80 y 90, el jazz pareció perder el rumbo, gracias en parte a Kenny G, quien dejó que el jazz significara música que se parece más al pop-rock adulto bastardo contemporáneo. Hoy, los millennials están redescubriendo las jams de los padres fundadores del jazz, mientras que los artistas contemporáneos están teniendo sus propias pequeñas victorias. La estrella del jazz de hoy no puede competir con la estrella del pop moderno, pero todavía tienen su lugar. Como un medio para examinar la trayectoria de la montaña rusa del jazz y mencionar los nombres que solidificaron la importancia del jazz en la historia musical, hemos reducido las cosas a una canción a la vez, lo que demuestra la década y el clima del jazz en ese momento.
1930
In the Mood de Glenn Miller Band
Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
La música swing surgió de la depresión todavía en ebullición en los años 30 y sesgó el jazz más cerca que nunca de la música popular. In The Mood es su canción perdurable. The Glen Miller Band tuvo un mínimo de éxito antes de Mood, pero su avance se produjo en 1939 durante una temporada de tres meses en Glen Island Casino en New Rochelle, Nueva York. Las actuaciones en el casino se transmitieron a muchos a través de la radio, lo que convirtió a Glen Island en un trampolín para numerosos grupos en la década, aunque podría decirse que ninguno más que Miller. Lo más importante para el éxito de Glenn fue que grabó In the Mood mientras estaba en el casino, dijo el biógrafo George T. Simon a The New York Times . Eso lo convirtió en el Michael Jackson de su época.
La canción está animada por su inconfundible riff de saxofón inicial, destinado a atraer a los nerviosos a la pista de baile, y resaltada por una falsificación decrescendo a mitad de la canción (piense en Shout de Isley Brothers).
Dato adicional: el saxofonista de jazz Joe Garland, no Glenn Miller, en realidad compuso la canción, y el icónico lick de apertura puede haber sido extraído de la melodía Tar Paper Stomp de Wingy Manone en la década de 1930. Los músicos tocaban rápido y suelto con las leyes de derechos de autor en esos días.
Perfectamente buena alternativa: Sing, Sing, Sing de Bennie Goodman (1937)
1940
Ronda de medianoche de Thelonius Monk
Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
Bebop, musicalmente complejo y promovido por músicos como Monk, Charlie Parker y Clifford Brown, fue un columpio en el péndulo de la música simple de los años 30. La improvisación tomó vuelo, los compases cambiaron, los acordes se expresaron de manera diferente. Monjes arrastrándose, cavilando Round Midnight encarna bien el cambio.
La canción, con sus perseverantes hi-hats, pianos angulares y armonías flotantes de trompeta y saxofón, es compleja sin esfuerzo y sigue siendo el estándar de jazz más grabado de todos los tiempos. En escuchar, pinta brillantemente una imagen de un bar oscuro y rancio en la última llamada, y dura tres minutos fugaces antes de detenerse.
Dato extra: al estándar se le suele atribuir el renacimiento de la carrera de Miles Davis después de que el trompetista tuviera problemas con las drogas. Davis llamó la atención de un cazatalentos de Columbia Records mientras tocaba la melodía junto a Monk en el Festival de Jazz de Newport de 1955.
Perfectamente buena alternativa: Yardbird Suite de Charlie Parker (1946)
1950
Toma cinco de Dave Brubeck
Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
El jazz ligero y estructurado de la costa oeste de Brubeck se puso de moda en la década de 1950 como un antídoto contra las abstracciones del bebop. Take Five, el sencillo de jazz más vendido de todos los tiempos, fue un éxito improbable impulsado por la visita de Brubeck a Turquía, donde escuchó a músicos callejeros experimentar con compases poco ortodoxos. La versión final de la canción, con su característico compás de 5/4 y piano repetido, se grabó en dos tomas y originalmente se pensó que era desechable.
El saxofonista alto Paul Desmond se convierte en una interpretación sutilmente genial, pero es el baterista sólido como una roca Joe Morello quien muestra su maestría en la melodía. Su inquebrantable ritmo de fondo eventualmente cede a un solo de batería que es a la vez espacioso y rítmico, deslizándose juguetonamente sobre la parte superior de la línea de piano de Brubeck antes de regresar a Desmond. sólo Morello se quedó triturando los tambores.
Dato adicional: los músicos de jazz también pelean con sus sellos discográficos. El LP Time Out de Brubecks de 1959 puso nerviosa a Columbia, con sus canciones originales y firmas de tiempo anormales. Los ejecutivos de las discográficas de Columbia, que preferían reelaboraciones seguras de los viejos estándares del jazz, solo acordaron lanzar Time Out después de que el cuarteto grabara un álbum más convencional llamado Lo que el viento se llevó para cubrir su apuesta. Time Out se convirtió en el primer disco de jazz en vender más de un millón de copias.
Alternativa perfectamente buena: Entonces qué de Miles Davis (1959)
1960
A Love Supreme, Part I (Reconocimiento) de John Coltrane
Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
Muchas canciones están en esta lista porque son la mejor encarnación del sonido de décadas. A Love Supreme lo hace porque alegremente se opuso a todo lo que estaba de moda. En los años 60, el jazz estaba cediendo su popularidad a la música rock y la suave bossa nova. La epopeya postbop de Coltranes A Love Supreme es abrasiva y embriagadora, llena de sensibilidades vanguardistas e insinuando su futuro de free jazz. La interpretación en el álbum es emotiva y pesada, nacida de la reciente conversión al Islam Ahmadiyya de los saxofonistas y una perspectiva fresca y sobria. En las notas del forro, Coltrane escribió: En el año de 1957 experimenté, por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me conduciría a una vida más rica, más plena y más productiva. Por la mano misericordiosa de Dios, percibo y he sido plenamente informado de su omnipotencia. Es verdaderamente un amor supremo.
Dato adicional: antes del canto verbal sin precedentes en Acknowledgement, Coltrane toca el motivo Love Supreme en las 12 teclas del saxofón. Para mí, te está dando un mensaje aquí, le dijo a NPR Lewis Porter, director de historia del jazz en la Universidad de Rutgers-Newark. En primer lugar, introdujo la idea. Ha experimentado con eso. Improvisa con ella con gran intensidad. Ahora dice que está en todas partes. Está en las 12 teclas. Dondequiera que mires, vas a encontrar este Amor Supremo. Te lo está mostrando de una manera muy consciente con su saxofón.
Perfectamente buena alternativa: Chica de Ipanema de Stan Getz (1964)
1970
Camaleón de Herbie Hancock
Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
Ese riff: 15 minutos, construido sobre dos acordes, completamente innegable. En cierto momento sentí la necesidad de tocar música más atada, algo que fuera más terrenal, dijo Hancock a Uncut Magazine . Sin duda fue un nuevo enfoque para mí. No me di cuenta de que estaba labrando un nuevo territorio.
Hancock, sintiéndose inspirado por contemporáneos como Sly Stone y James Brown, despidió a su sexteto de jazz preexistente y reunió a una banda de acompañamiento de músicos funk para el álbum de 1973 que contenía Chameleon. En una era en la que el jazz a menudo se confundía con la electrónica, el rock and roll y, hasta cierto punto, la música disco, esta melodía de Hancock es notablemente pura y atemporal. Se las arregla para ser un éxito de pop jazz mientras evita muchas de las trampas de esa etiqueta.
Dato adicional: Hancock tocó ese grueso lamido de bajo que ancla a Chameleon en un sintetizador ARP Odyssey.
Perfectamente buena alternativa: Pharaohs Dance de Miles Davis (1970)
1980
Códigos negros de Wynton Marsalis
Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
Los años 80 fueron la escena del crimen para el jazz suave, con Kenny G ganando popularidad y sus canciones downtempo, impulsadas por el saxofón, a menudo satirizadas, ganando una importante reproducción en la radio. Simultáneamente, el trompetista prodigio y el hijo pródigo del jazz moderno, Wynton Marsalis, se propuso recuperar la respetabilidad del género, cambiando los pads de sintetizador y los loops de batería programados de Kenny G por los polirritmos deslizantes y el swing sutil que dominaron 20 años antes. Marsalis criticó descaradamente el jazz contemporáneo, y cuando ganó un Grammy en 1984 agradeció a Charlie Parker, Thelonious Monk, Louis Armstrong, todos los muchachos que dieron una forma de arte al pueblo estadounidense que no puede ser limitada por tendencias impuestas o mal gusto.
En Black Codes, Marsalis era un purista que tocaba neoclásicos, ampliando el estilo bop de Miles Davis de la era de los 60. La melodía rebosa virtuosismo y muestra el inmenso talento de cada músico en el quinteto de revivalistas del jazz que se hacían llamar The Young Lions. Algunos criticaron a Marsalis por simplemente reciclar estilos antiguos, mientras que otros lo criticaron por percibir elitismo. Jared Pauley, en Jazz.com, coloca esta refutación: Di lo que quieras sobre Wynton Marsalis, la persona, pero Wynton Marsalis, el trompetista, especialmente durante la década de 1980, tocó con una seguridad que casi nunca he escuchado de ningún jugador desde entonces.
Marsalis también encontró la devoción eterna del enigmático crítico de jazz y poeta Stanley Crouch, quien llenaría las notas de los álbumes de los trompetistas. Todos somos afortunados de que músicos tan jóvenes estén tocando jazz y manejando sus mayores exigencias con un sentido del orden tan emotivo, escribió Crouch en Black Codes .
Dato adicional: el pianista Kenny Kirkland y el saxofonista Branford Marsalis (hermano de Wynton) abandonaron el quinteto poco después del lanzamiento de Black Codes from the Underground para unirse a la banda Stings. Los rumores de una enemistad siguen a los hermanos Marsalis hasta el día de hoy.
Perfectamente buena alternativa: Cuarteto No. 1 de Chick Corea (1981)
1990
Enamorémonos de Diana Krall
Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
En Lets Fall In Love, Diana Krall negocia con éxito la delgada línea entre el contemporáneo y el jazz, demostrando ser una digna descendiente de Ella Fitzgerald y Billie Holiday. Sí, hay una guitarra legato limpia en esta actualización de un clásico que Fitzgerald cantó una vez, pero su jazz vocal es más que un pop jazz suave, y Krall también demuestra ser un pianista serio. Algunos fanáticos del género pueden desafiar a Krall como vainilla, pero The New York Times Ben Ratliff aclara: Es suave pero firme, dice. Dispuestos a negociar con la cultura popular para ser aceptados por cualquier puerta posible como el jazz, el pop, el cabaret, lo que sea.
Dato adicional: El álbum de Kralls de 1999, When I Look In Your Eyes , anclado por Lets Fall In Love, fue el primer álbum de jazz en 25 años en recibir una nominación al Grammy por Álbum del año.
Perfectamente buena alternativa: Jazz Thing de Gang Starr (1990)
años 2000
Película de The Bad Plus
Daniel Sheehan 2012 Este contenido es importado de Spotify. Es posible que pueda encontrar el mismo contenido en otro formato, o puede encontrar más información en su sitio web.
Hay algo realmente fascinante en un trío de jazz que cubre con energía, sin esfuerzo y sin problemas una canción de Aphex Twin. La batería es el desafío más notable en Flim, con Bad Pluss Dave King golpeando una réplica en vivo del inhumano ritmo electrónico, y el resultado es vivaz y con fallas, como una versión desconectada de The Postal Service, pero como jazz. . El hecho de que casi todo el mundo estratificado del jazz estuviera hablando de este disco alrededor de 2003 es evidencia suficiente de su importancia, escribió Patrick Jarrenwattananon para NPR. Sin embargo, el hecho de que la gente fuera del jazz lo escuchara fue el verdadero golpe.
Dato adicional: el trío obtuvo mucha notoriedad por su versión de Nirvanas Smells Like Teen Spirit, una melodía que el pianista Ethan Iverson afirmó no haber escuchado nunca antes.
Perfectamente buena alternativa: Paranoid Android de Brad Meldhau (2002)